El matrimonio berlinés entre el Deutsche Bank y la Solomon R. Guggenheim Foundation ha durado 14 años. Durante todo este tiempo, el espacio expositivo ha ocupado parcialmente las dependencias de un emblemático edificio propiedad del banco alemán en el famoso bulevar Unter den Linden de Berlín. La sala, a medio camino entre el Altes Museum y la Puerta de Brandenburgo, ha sido uno de los referentes del arte contemporáneo más importantes que ha tenido la ciudad desde su apertura en 1997.

Hace tan sólo un par de días, Richard Armstrong (director de la Solomon R. Guggenheim Foundation) afirmaba que la cooperación entre ambas entidades “creó un sitio de exposiciones importantes y dinámico en una de las ciudades más pujantes del mundo”. Pero también añadió que “Berlín es hoy una ciudad muy distinta a como era cuando empezamos. Creemos que ha llegado el momento de dar un paso atrás y examinar nuestra colaboración para ver cómo puede evolucionar”. Y es que, si comparamos cifras entre la sede de Bilbao (1 millón de visitantes en 2011) y la de Berlín (1,8 millones de visitantes desde 1997 hasta 2011), inauguradas ambas el mismo año, hay algo que no termina de cuadrar.

A pesar de todo, según una nota emitida por la entidad financiera, se separan “de mutuo acuerdo” y con “planes concretos de colaboración entre ambas organizaciones sobre una nueva base”. Pero, ¿cuáles serán esos planes?. Nadie sabe…

Por el momento, lo que sí sabemos es que el Deutsche Guggenheim permanecerá abierto al público hasta finales del presente año para acoger las exposiciones que estaban previstas en la agenda. Además, se mantiene como próxima sede del BMW Guggenheim Lab (del que ya hablamos en edgargonzalez.com hace unos meses – link a la noticia), una especie de laboratorio itinerante que, a lo largo de 6 años, tiene previsto recorrer algunas de las ciudades más importantes del mundo. Nueva York fue la primera estación, Berlín será la segunda.

Después de todo esto, el espacio se (re)convertirá y, según palabras de Josef Ackermann (presidente del Deutsche Bank), pasará a ser “un foro internacional de diálogo entre economía, política, cultura y sociedad”.

© Mathias Schormann

© Nina Straßgütl

© Nina Straßgütl

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Tal vez esa debió haber sido la estrategia de marketing, sin embargo no lo es, ya que las “obras de arte” que se han creado en los anuncios, han sido borradas..

Así que la pagina, gothamist.com hizo el llamamiento para que todos podamos crear nuestra propia versión del anuncio de Mad Men (actualmente ya no reciben mas remixes). De este modo han creado varios remixes, desde una ballena que lo escupe hasta la versión de Batman.

En este link pueden ver las demás imágenes, las cuales no tienen perdida

Y si alguien quiere hacer su propia version, aqui les dejamos su lienzo para practicar con photoshop

un saludo a todos!

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Mad Men back!Mad Men S04cuatro Mad MenMADamesMAD MEN [Videoviernes]

Hecha en fibra de carbono, esta cometa está formada por módulos de cuatro triángulos equiláteros unidos por sus aristas (Un tetraedro). El diseño permite obtener la superficie máxima frente al viento con una rigidez muy alta y un peso mínimo.

Esta forma que funciona tan bien,  fue inventada por Alexander Graham Bell (más conocido por patentar, que no inventar! el teléfono) hace más de un siglo, en 1895.

Little Shining Man from Jimandtonic on Vimeo.

Ivan Morison and Heather Peak (morison.info),
in collaboration with Sash Reading (sashreading.tumblr.com)
and Queen and Crawford (queenandcrawford.com)

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molinos de viento voladores

Trabaja con tejidos que parecen levitar en el espacio, creando paisajes orgánicos. Llena toda la habitación con estructuras de tela que forman laberintos espaciales, donde el espectador se puede apropiar de ellas, recorrerlas y cambiar su forma con su propio movimiento. Una experiencia sensorial que puedes ver, tocar y oler, debido a la variedad de formas, colores y aromas de azafrán o clavo.
Si tienes oportunidad  de estar en Buenos Aires (Argentina) puedes ver su último trabajo en Faena Arts center, hasta el 12 de Febrero.

Montaje Neto Faena Arts Center from Faena Art Center on Vimeo.

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Pasajes. Viajes por el híper-espacio [Gijón]

GLORIA, una de nuestras la librerías y Espacios de Arte favoritos de Madrid, va a cambiar su localización. Mientras barajan distintas opciones de realijamiento, aprovechan para quedarse ligeros de equipaje y nos ofrecen hoy, día 1 de febrero, durante todo el día, un OUTLET especial con una selección de libros de importación, fotografía, diseño y arquitectura, objetos de diseño y obra gráfica al 50% de descuento. Sin duda una buena ocasión para quienes estén interesados en adquirir alguno de estos productos de arte a un precio irrepetible.

Recordad: hoy durante todo el día en la C/ Hortaleza, 116, Madrid.

Ah, y a las 19:00 momento vino y almendra

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Del 23 de enero al 5 de febrero, y coincidiendo con la celebración de la edición 2012 de Madrid Fusión, se celebra en Madrid el Gastrofestival, una iniciativa del Madrid Fusión y el Ayuntamiento para hacer partícipes a los ciudadanos de una variada oferta de actividades relacionada con la gastronomía.

El Gastrofestival, que este año cumple su tercera edición, propone algo más que acercar el arte del buen comer a los habitantes: pretende impulsar en la sociedad esta cultura culinaria al tiempo que la conecta con el resto de disciplinas artísticas. Por esta razón, ofrecen distintas actividades como catas, cursos, o incluso visitas a museos y distintas exposiciones artísticas.

Entre las actividades más interesantes se encuentra la promovida por la Escuela de Arquitectura CEU San Pablo, que ofrece, a través del grupo del Taller Transversal y con la coordinación del estudio PICADO-de BLAS, una serie de instalaciones efímeras y performances organizadas en torno al tema del Picnic Urbano.

Esta serie de creaciones, realizadas por los propios alumnos del Taller, inundarán (y de hecho lo están haciendo ya) las calles de toda la ciudad hasta el próximo día 5 de febrero. Muchas de estas instalaciones ya se han montado, como el Picnic de Alicia en el País de las Maravillas o el Red Light Picnic (un picnic fugaz que se celebra en mitad de un semáforo en rojo), pero otras aún pueden disfrutarse, como el Plastic Picnic o el Picnic Baroque, un picnic con un marcado estilo vintage que empezará su recorrido urbano el próximo 2 de febrero a las 17.00h en Pº de la Castellana, 12.

Os dejo el listado del resto de actividades así como un plano con los lugares donde se llevarán a cabo.

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Cuando LeCorbusier decia:

“La arquitectura es el magnifico juego de los volumenes bajo la luz.”

No se le habría pasado por la cabeza que Rashad Alakbarov jugaría con la luz y la sombra, no solo para crear arquitectura, mas bien para crear un arte que a primera vista son objetos puestos aleatoriamente, pero cuando la luz y la perspectiva entran en juego lo que tenemos es una obra de arte maravillosa. Ya sea creando paisajes, los skylines de ciudades o simplemente un rostro, podemos ver que esos objetos están tan bien organizados y alineados, que no nos cabe duda del porque fue expuesta en el Phllips de Pury & Company de Londres.

Otro ejemplo mas del refrán:

“La basura de unos, es el tesoro de otros.”

VideoViernes de Domingo!! A lo que el titulo se refiere es a una vieja forma de producción en masa, una antigua forma de impresión, inventado alrededor de 1450 por Johannes Gutenberg. En este taller de Paul Collier, ubicado en la Universidad de Plymouth en Inglaterra; tiende a funcionar de la misma manera como se hizo en aquel entonces. Así mediante el uso de letras pre-moldeadas y reutilizables hechas de metal y madera, para estas impresiones de tipo móvil, se pueden producir palabras, frases, párrafos y páginas de texto.

Mas que una vieja forma de producción o de impresión, se ha convertido en un arte que ahora muy pocos son los que aun lo utilizan con la llegada de los ordenadores y el ploteado. La Universidad de Plymouth, intenta preservar ese arte, junto con otras universidades de Europa y como dice Paul Collier:

This is here to stay.

Gracias a @churtichaga por el enlace

Video realizado por: @dannycooke

Buen domingo!!

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“Tape Recorders”, un sistema de seguimiento [computerised tracking system] detecta la presencia de una persona  y esa información activa el mecanismo de la cinta métrica más próxima al visitante, proyectando la cinta amarrilla hacia el techo hasta llegar a los 3 metros, y aquí lo mas interesante, la cinta colapsa y se desploma pasando a ser una instalación con un componente auditivo, las cintas metálicas impactan, se cruzan, se mezclan, y en ese momento se activa otro sistema que devuelve la cinta a su estado inicial. ¡Y volvemos a empezar!

“Each hour, the system prints the total number of minutes spent by the sum of all visitors”.

En “Voice Array”, el visitante tiene un interfono que graba su voz y la tranforma en destellos de luz. Este patrón se almacena en primera posición dentro de una matriz. Cada grabación arrastra a la anterior hacia la posición siguiente acumulándose unas 288 grabaciones.

“The voice that was pushed out of the array can then be heard by itself”.

Otro proyecto a destacar es “Body Movies” , encargo del Centro de Arte Electrónico V2 de Rotterdam para la Capitalidad Europea de la Cultura en 2001, y que continuó con sucesivos portraits tomados alrededor del mundo (Linz, Madrid, Montreal, Mexico, Hong Kong,,  Duisburg, Liverpool, Wellington,etc…). El proyecto nace bajo la influencia de la obra de Samuel Van Hoogstraten , como “The Shadow Dance” (1675, Rotterdam).

Para conocer todos los proyectos de este artista  pincha el link.

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Vía | wwwhatsnew.com

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Este próximo jueves 12 de enero a las 20.00h. comienza en la Galería Rita Castellote (C/ San Lucas 9, Madrid), la primera exposición individual de la artista Sheila Pazos en la capital.

Sheila Pazos, artista de origen suizo afincada en Pontevedra y ganadora de numerosos premios en Galicia, centra su obra principalmente en la vida urbana, en donde estudia la relación del hombre con la ciudad.

En este contexto, la artista juega con las escalas, significados y realidades, oponiéndose a la idea del sentido común y a la de interpretación única.

“Juego con la ciudad, con sus enormes y potentes bloques de hormigón, y sus grandes extensiones de asfalto, como si se tratase de un enorme lienzo gris, salpicado de notas de color.”

Esta exposición, titulada “¿Qué pasa ahí fuera?”, permanecerá abierta hasta el 4 de febrero, y será acompañada con la presentación de algunas obras de su nueva serie “Antioquia”.

Sheila Pazos, mediante la fotografía, excluye una interpretación única de significados. Es un argumento explícito construido al subvertir imágenes, con la emisión de mensajes paradójicos de la vida urbana y la profusión de enunciados variables. En las composiciones de esta artista es posible considerar apariencias diferentes según la mirada que las contemple, porque las premisas de las que parte no conducen a una sola conclusión, sino a muchas.

En este contexto soberano, “el sentido es lo imposible”. Con la mutabilidad de escalas, volviendo los edificios diminutos y los animales y personas enormes, la creadora invierte realidades e impugna la idea de sentido común. Su trabajo es la constatación de que es factible recorrer la imaginación para crear universos quiméricos, o que es viable a través de relaciones insólitas, asociaciones que responden a un carácter conceptual, frutos de registros personales vinculados directamente con el ámbito de la urbe, vivencias que la artista sufrió como hija de emigrantes en Suiza y posteriormente en su regreso a Galicia.

Para más información y horarios, pinchad aquí.

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Eso lo dicen los chicos de Lumi, el cual es un equipo de diseño pionero en un proceso revolucionario de impresión fotográfica para textiles y materiales naturales. Tomando la técnica fotográfica de la cámara oscura, la cual utilizan la luz solar para producir impresiones duraderas en los materiales sostenibles.

Ubicados en Los Ángeles es donde desarrollan Inkodye y lo utilizan para crear los diseños de moda y muebles.

La tienda online.

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¿Podría existir una bandera universal que nos representara, una bandera que fuera de todos, capaz de amparar todos los derechos?

es la reflexión que inicia la creatividad de Darya von Berner para realizar esta interesante obra que estará en el Palacio de Justicia de la Haya a partir del 18 de Enero.
La bandera consiste en una nube real generada mediante tecnología de nebulización laminar de alta presión. La zona superior del mástil incorpora además una línea vertical de luz que al iluminar el flujo de micro gotas de agua, hace que la bandera nube resulte más visible tanto de día como de noche.

Darya von Berner, 2012
Palacio de la Paz
La Haya, Países Bajos

Comisario: Tom van Vliet

Prototipo
Fog-Systems GmbH

Colaboración especial:
Salvador Pérez Arroyo

Colaboradores
Teknica Lighting Consulting
Ó producciones: Julia Gómez Candela, Ricardo Ortega, Lilli Hartmann

Promotor
Ministerio de Cultura de España

Actividad realizada con la ayuda del Ministerio de Cultura

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Sergio Albiac

Más allá de lo superficial, somos recuerdos fragmentados, emociones y vivencias personales, por tanto “¿qué es un retrato realista?”… este es el comienzo del nuevo proyecto de Sergio Albiac, un artista catalán que mezcla con naturalidad técnicas tradicionales con otras “new media”.

Crea “bocetos generativos” a través de programas de ordenador que luego utiliza como referencias para pintar.“… De esta forma, exploro un “diálogo” fascinante entre control/azar y la interacción entre el hombre y la máquina. Tiene sentido para mí. Me siento conectado a la tradición artística y a la vez, al utilizar este proceso de bocetos generativos, puedo crear de una forma contemporánea e innovadora que refleja profundamente las ideas que intento expresar.”

Su último trabajo se llama “Retrato Videorativo” y es un paso más en este proceso de experimentación para crear retratos contemporaneos.

Videorative Portrait of Randall Okita from Sergio Albiac on Vimeo.

“Pintar un retrato Videorativo (esto es, un retrato en vídeo generativo, narrativo e interactivo) comienza con la obtención de vídeos personales de la persona retratada,… que sean significativos… Entonces, utilizando una herramienta que se desarrolló especialmente para el proyecto, el artista “pinta con significados”…. el espectador puede “navegar” a través de la mente del retratado, abriendo sus video recuerdos, accediendo a sus pensamientos y revelando conexiones ocultas…”

“La persona retratada puede añadir más y más video recuerdos, significados y comentarios, durante toda su vida,…, creando así una colección interminable de documentales personales.”

Vídeo: Randall Okita.
Música: “I Am a Man Who Will Fight for Your Honor”, por Chris Zabriskie.

Sergio Albiac

Sergio Albiac

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Yayoi Kusama expuso su trabajo el año pasado en el Reina Sofía, en el cual pudimos ver cómo su interés en hacer de sus obras perfomances participativas o happenings no es nada nuevo, sino que ya comenzaba en los años sesenta y ha ido evolucionando en función de sus pequeñas obsesiones. Tiene además obras como sus esculturas acumulativas (acumulative sculptures) en las que la acumulación y la repetición son el sustento que les va dando forma.
También el cambio progresivo debido a la actividad humana, y el paso del tiempo son hechos que se van percibiendo a lo largo de su obra, y éste es el caso de The obliteration room.

La habitación de la obliteración consistió en preparar un espacio con una atmósfera casera, completamente pintado de blanco. Los niños iban pasando e iban pegando los circulitos de colores donde más les apeteciese.  El resultado fue más o menos un horror vacui muy colorido, pero creemos que más interesante fue el proceso, del cual dejamos una muestra:

circulitos

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La Tate modern de Londres está dando los últimos toques a la primera gran exposición dedicada a uno de los artistas más importantes de la actualidad: Damien Hirtsh lo odias o lo adoras, pero no te dejará indiferente.

De Abril a Septiembre la galería londinense mostrará una serie de obras que pocas veces han sido vistas juntas, incluido el tiburón que posiblemente representa el lanzamiento a las grandes ligas como máximo representante del Brit Art de los 90´s que de la mano de Charles Saatchi en el ya famoso show Young British Artists (YBA).

Con una fortuna calculada en 1000 millones de dólares a base de obras hechas con Animales en formaldehido, calaveras incrustadas con diamantes que se venden por 74 millones de euros o comprarse un castillo completo para trabajar con su equipo de más de 150 personas. Problemas admitidos con las drogas, demandas por plagios, divorcios, etc. es lo más cercano a un rockstar del arte al que seguiremos en lo que promete ser el show mas esperado del verano.

El creador de :

The Physical Impossibility of Deathi n the Mind of Someone Living

Mother and Child

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La web incluye nuevos trabajos, de la misma tinta satírica de la que salpica toda su obra, una pequeña entrevista en la que habla su batalla con “Robbo” , de su película “Exit throught the gift shop” , (candidata a los Oscars como mejor película documental) y alguna referencia más.

Os enseñamos un aperitivo de su galería, que no tiene desperdicio.

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Su última colección está inspirada en la película Tron (Steven Lisberger, 1982), marcada por un fuerte carácter retro, que coexiste con una escenografía high-tech. Ambos aspectos son la base de esta colección; siluetas andróginas con prendas realizadas en materiales como la lana, el cuero y el algodón, donde a través de diferentes técnicas, ha estampado patrones geométricos que dan este resultado tan sorprendente.

Aquí os dejo más información. Disfruten!… End of line.

Encontrado en www.designboom.com

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Tienen dos versiones, la tradicional y la que aquí nos concierne, la interactiva. Como su nombre indica, el espectador deja de serlo para convertirse en un componente más del grupo.

No os decimos más, ¡probadlo!

http://www.sprawl2.com/

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Mañana, día 15 de diciembre, a las 19.00h., en la Nave 16 de Matadero Madrid, se abre la presentación pública de “El Ranchito”, un proyecto de investigación formado por Pablo Berástegui, Nerea Calvillo, Luisa Fuentes, Iván López Munuera, Gema Melgar, Catarina Saraiva y Manuela Villa, en el que participan 34 artistas o colectivos locales e internacionales, además de un amplio número de instituciones de la ciudad, agentes y asociaciones artísticas.

Para quien no lo conozca, El Ranchito es un proyecto de investigación y desarrollo de programas de creación promovido por Matadero Madrid con el objetivo de explorar alternativas a los formatos convencionales de los espacios expositivos y busca nuevos modelos de organización dentro de las instituciones culturales.

La presentación pública de El Ranchito, que abrirá desde el 15 de diciembre hasta el 22 de abril,  no es una exposición al uso y no se limita a mostrar obra artística, sino que apuesta por hacer visibles los procesos de trabajo entre creadores, comisarios, instituciones y el entorno social. Con una vocación transdisciplinar, la presentación de El Ranchito dista mucho de parecerse a la sala de un museo o galería.  El público puede ver la obra producida y el proceso de producción de los artistas:

Pero esto no es todo. Con un formato de archivo expandido, esta presentación acoge una zona de documentación y biblioteca donde se puede consultar los proyectos de Antonio Yemail, Begoña Morales, Carolina Caycedo, Colectivo Situaciones, Cristina Busto, Cristina Llanos, Critical Practice, Franco Ingrassia, Jerónimo Hagerman, Miquel García con Pensart y Paloma Calle. Además, el público podrá asomarse al trabajo que se ha llevado a cabo en los estudios habilitados en la Nave 16 y ocupados mediante convocatoria pública por Anto Rabzas, Camille C. Hanson, Debajo del sombrero, Edurne Herrán, Elena Jiménez, Javier Chozas, José Marín, Paulina Chamorro y Toxic Lesbian.

El Ranchito es un proyecto colectivo liderado por un equipo de trabajo multidisciplinar en el que han colaborado distintos agentes de la ciudad. A lo largo de los próximos meses el espacio se activará mediante talleres, conferencias y otras actividades públicas y a través de una zona de socialización y bar. Un espacio cambiante y vivo, en el que hacerse preguntas y, si es posible, desarrollar respuestas propias.

Recuerda: Jueves 15 de diciembre, 19.00h. Presentación pública de El Ranchito.

Para ir al blog de El Ranchito, pincha aquí.

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En Wanheim, Duisburgo (Alemania) ya pueden hacer realidad un pequeño sueño que todos hemos tenido alguna vez: congelar una de esas extraordinarias vistas que únicamente pueden llegar a apreciarse bajo la agitación general y durante unas brevísimas milésimas de segundo; justo en ese momento previo a salir disparado directo al looping más cercano.

En este caso, son las vistas sobre la cuenca del Ruhr occidental y el Rhin, así como de la propia ciudad. Y todo mediante esta escultura con forma de montaña rusa de 21 metros de altura, de acceso -totalmente gratuito- mediante una escalera que recorre toda su longitud y que permite al visitante circular por toda ella. A excepción, por supuesto, de la parte del looping central, que se superpone como barrera física y como punto de inflexión de ese sinuoso recorrido.

El material utilizado de esta obra escultórica de Heike Mutter y Ulrich Genth es el acero y el cinc, pues está hecha a modo de homenaje de una zona donde antiguamente había habitado gran parte de las industrias de estos dos materiales y donde actualmente se encuentra una de las mayores empresas de acero de todo el país, Krupp Mannesmann.

Otro dato a tener en cuenta es que también abre de noche, todo gracias a una acertada iluminación a base de leds integrados en los pasamanos que conceden, durante las 24 horas del día, potentes perspectivas de este tortuoso artefacto que se alza sobre Angerpark como un sinuoso recorrido en espiral; evocando la velocidad, la ligereza y la prisa, y que contrasta con la tranquilidad y la calma con la que éste es recorrido mientras se contempla el paisaje. De ahí, claro está, su sorprendente nombre: Tiger & Turtle Magic Mountain.

Fecha de la primera sesión: 16 de noviembre de 2011.

Horario: 18-21 h.

Lugar: La Trasera (Facultad de Bellas Artes, Madrid).

Plazas:  Entrada libre hasta completar aforo.

Artichects se presenta como un nuevo formato de conferencia en el que el tema girará en torno a la “experiencia del arquitecto invitado colaborando/trabajando… con/para artistas” y/o ”experiencia del artista invitado colaborando/trabajando… con/para arquitectos”.  En esta primera sesión, los conferenciantes serán Esther Pizarro (artista invitada) y Uriel Fogué (arquitecto invitado).

En las sesiones se discutirán las respuestas de los  conferenciantes a un cuestionario previo en el que las posibles preguntas girarían en torno a:

- Título del proyecto y/o trabajo y/o servicio, realizado o recibido

- Fecha de realización y/o desarrollo del mismo

- Coste / Honorarios / Gastos / Balance total de los beneficios y/o pérdidas

- Medio de comunicación más empleado entre ambas partes

- Grado de satisfacción del conferenciante con el trabajo realizado

- Grado de satisfacción de la otra parte con el trabajo realizado

- Una anécdota interesante representativa de la relación entre ambos

- (….)

Tras la exposición por parte de los conferenciantes acerca de sus experiencias, vendrá la ronda de preguntas y reflexión entre todos los asistentes y, por último y lo más importante, La hora de la cerveza (afterwork).